lunes, 18 de abril de 2016

Cuando sea mi vida





Cuando sea mi vida,
toda clara y ligera
como un buen río
que corre alegremente
a la mar,
a la mar ignota
que espera
llena de sol y de canción.
Y cuando brote en mi
corazón la primavera
serás tú, vida mía,
la inspiración
de mi nuevo poema.
Una canción de paz y amor
al ritmo de la sangre
que corre por las venas.
Una canción de amor y paz.
Tan solo de dulces cosas y palabras.
Mientras,
mientras, guarda la llave de oro
de mis versos
entre tus joyas.
Guárdala y espera.



Antonio Machado (1875 - 1939)


viernes, 15 de abril de 2016

John Melhuish Strudwick



Hace unos días encontré por casualidad esta imagen de un cuadro de John Melhuish Strudwick y me pareció tan bella que quise indagar un poco sobre el autor del cuadro. La historia al final es bastante triste; tanto, que podía encajar perfectamente en la tónica general de este blog dedicado al arte y a la vida en general, sobre todo cuando ésta nos deja sin saber qué pasa, chupando un palo, sentados sobre una calabaza...



Piano Concerto No. 2 in F Major, Op. 102: II. Andante
Dmitry Shostakovich

John Melhuish Strudwick (Clapham, Londres, 6 de mayo de 1849 - Hammersmith, 16 de julio de 1937) fue un pintor británico de la época victoriana, perteneciente a la Hermandad Prerrafaelita. Defraudó las expectativas familiares de dedicarse a los negocios estudiando arte en South Kensington, en lo que sería después la Royal Academy of Arts, donde nunca fue un alumno destacado. 

En la década de 1860 se sintió muy animado por el pintor escocés John Pettie, cuya pintura imitó en obras posteriores. Su obra basada en la balada escocesa Auld Robin Gray, que se exhibió en la Royal Society of British Artists en 1873, es un buen ejemplo del estilo de Strudwick en este periodo. 

En la década de 1870 su estilo cambió. Pasó a trabajar primero como asistente en el estudio de su tío el pintor Spencer Stanhope y después en el de Edward Burne-Jones. Junto a otros artistas del círculo de éste último, Strudwick expuso en la galería de arte londinense Grosvenor y también en la New Gallery. 

Strudwick era muy meticuloso en los detalles, especialmente cuando pintaba cortinas y accesorios. Sólo pintó unos treinta cuadros con temas míticos y simbólicos, a veces empleando una técnica lapidaria del Quattrocento italiano.

Inicialmente se benefició del mecenazgo de algunos ricos industriales, pero su carrera declinó cuando éstos dejaron de prestarle apoyo para protestar por lo que parecía una campaña para que abandonara su carrera, dejando sin terminar su obra  When Sorrow comes in Summer Days Roses Bloom in Vain, en castellano: Cuando la pena llega en los días de verano las rosas florecen en vano.
El hecho de dejar su obra inacabada y el título de la misma reflejan la desilusión que sentía.

Este fue su último trabajo, una declaración artística que puso su punto final. Vivió treinta años más sin tocar los pinceles.

John Melhuish Strudwick




Hace unos días encontré por casualidad esta imagen de un cuadro de John Melhuish Strudwick y me pareció tan bella que quise indagar un poco sobre el autor del cuadro. La historia al final es bastante triste; tanto, que podía encajar perfectamente en la tónica general de este blog dedicado al arte y a la vida en general, sobre todo cuando ésta nos deja sin saber qué pasa, chupando un palo, sentados sobre una calabaza...



Piano Concerto No. 2 in F Major, Op. 102: II. Andante
Dmitry Shostakovich

John Melhuish Strudwick (Clapham, Londres, 6 de mayo de 1849 - Hammersmith, 16 de julio de 1937) fue un pintor británico de la época victoriana, perteneciente a la Hermandad Prerrafaelita. Defraudó las expectativas familiares de dedicarse a los negocios estudiando arte en South Kensington, en lo que sería después la Royal Academy of Arts, donde nunca fue un alumno destacado. 

En la década de 1860 se sintió muy animado por el pintor escocés John Pettie, cuya pintura imitó en obras posteriores. Su obra basada en la balada escocesa Auld Robin Gray, que se exhibió en la Royal Society of British Artists en 1873, es un buen ejemplo del estilo de Strudwick en este periodo. 

En la década de 1870 su estilo cambió. Pasó a trabajar primero como asistente en el estudio de su tío el pintor Spencer Stanhope y después en el de Edward Burne-Jones. Junto a otros artistas del círculo de éste último, Strudwick expuso en la galería de arte londinense Grosvenor y también en la New Gallery. 

Strudwick era muy meticuloso en los detalles, especialmente cuando pintaba cortinas y accesorios. Sólo pintó unos treinta cuadros con temas míticos y simbólicos, a veces empleando una técnica lapidaria del Quattrocento italiano.

Inicialmente se benefició del mecenazgo de algunos ricos industriales, pero su carrera declinó cuando éstos dejaron de prestarle apoyo para protestar por lo que parecía una campaña para que abandonara su carrera, dejando sin terminar su obra  When Sorrow comes in Summer Days Roses Bloom in Vain, en castellano: Cuando la pena llega en los días de verano las rosas florecen en vano.
El hecho de dejar su obra inacabada y el título de la misma reflejan la desilusión que sentía.

Este fue su último trabajo, una declaración artística que puso su punto final. Vivió treinta años más sin tocar los pinceles.

viernes, 12 de febrero de 2016

John Rutter: The Importance of Choir




Nadie entiende mejor que John Rutter la importancia de la música en nuestras escuelas y nadie tiene de primera mano más antecedentes sobre el tema que él. En este vídeo, Rutter comparte sus creencias acerca de porqué la música coral no es uno de los lujos de la vida y de porqué más personas deberían tomar nota.

John Rutter Milford, CBE (nacido 24 de septiembre de 1945 y comandante del Imperio Británico) es un compositor inglés, director de coro, director orquestal, arreglista y productor musical.
Nacido en Londres, fue educado en la Highgate School. En 1981 fundó su propio coro, el Cambridge Singers, con quienes presenta muy variado repertorio sacro que los ha de caracterizar (incluida su propia obra), y tiene varias grabaciones, en particular bajo su propia etiqueta: Collegium Records. Vive cerca de Cambridge, pero con frecuencia dirige otros coros y orquestas de todo el mundo.
En 1980 se le hizo becario de honor de Westminster Choir College, Princeton, y en 1988 miembro del Gremio de Músicos de Iglesia. En 1996 el Arzobispo de Canterbury le confirió un Doctorado de Música, en reconocimiento de su contribución a la música sacra.

Transcripción de las palabras de John Rutter en inglés:

Choral music is not one of life’s frills. It’s something that goes to the very heart of our humanity, our sense of community, and our souls. You express, when you sing, your soul in song. And when you get together with a group of other singers, it becomes more than the sum of the parts. All of those people are pouring out their hearts and souls in perfect harmony. Which is kind of an emblem for what we need in this world, when so much of the world is at odds with itself…that just to express, in symbolic terms, what it’s like when human beings are in harmony. That’s a lesson for our times and for all time. I profoundly believe that.

And musical excellence is, of course, at the heart of it. But, even if a choir is not the greatest in the world, the fact that they are meeting together has a social value. It has a communal value. And I always say that a church or a school without a choir is like a body without a soul. We have to have a soul in our lives. And everybody tells me, who has sung in a choir, that they feel better for doing it. That whatever the cares of the day, if they maybe meet after a long day’s school or work, that somehow you leave your troubles at the door. And when you’re sitting there, making music for a couple hours at the end of the day, that’s the only thing that matters at that moment. And you walk away refreshed. You walk away renewed. And that’s a value that goes just beyond the music itself.

Of course, as a musician, I put the music at the heart of it, but all of these other values just stand out as a beacon. I think our politicians need to take note…my gosh do they ever! [laughs], and our educators, those who decide education budgets, church budgets, just need to remember it’s not a frill. It’s like a great oak that rises up from the center of the human race and spreads its branches everywhere. That’s what music does for us. And choral music must stand as one of the supreme examples of it.


Fuente: el propio vídeo y Wikipedia

jueves, 15 de octubre de 2015

Ne me quitte pas





Ne me quitte pas es una canción compuesta, escrita e interpretada por el cantautor belga Jacques Brel, uno de los mayores representantes de la Chanson del siglo XX. La canción fue publicada en 1959 por Warner-Chappell.

Jacques Brel estaba convencido de que sólo podría conquistar a su audiencia con la dramatización o con aderezar con un estilo teatral sus canciones. Las letras o los pensamientos por sí solos no rozan ni la conciencia de la emotividad de su público. Así, que se abrazó a la pasión del arte dramático a través de Philippe Clay. Como el propio Brel, este impostor de la actualidad musical también había pasado por el famoso Trois Baudets, el cabaret situado en Pigalle, donde habían logrado la solemnidad del éxito artistas como Serge Gaingsbourg y George Brassens, entre otros. Lo cierto es que el dueño, el inefable Jacques Canetti, tenía la presunta sospecha de que Brel alcanzaría la fama si se ponía en manos de Clay. Pero éste siempre se refería a Brel como el belga desagradecido. Vencido por su curiosidad, al final Clay accede a darle clases de dramaturgia al belga, casi solemnes clases de teatro de las canciones que compone Brel. Ése es el génesis del nacimiento de una de las canciones más bellas y desesperantes canciones de la historia del amor, la asombrosa 'Ne me quitte pas'. Casi una canción perfecta.

Con la dramatización del arte de declamar y teatralizar canciones, Jacques Brel conoce en el club Bobino a una maravillosa mujer, una actriz cómica llamada Suzanne Gabriello, conocida en todos los medios artísticos, como 'Zizou'. Ella será la responsable de la sensacional puesta en escena de Brel en Olimpia de París, el punto de inflexión de la carrera del belga y su consagración como compositor, como cantante esencial, eterno.

Jacques Brel vivirá, amará y se entregará vehemente a ella durante todo un lustro. Cinco años repletos de intrigas, de encuentros y desencuentros con Suzanne. Un amor prohibido, loco, apasionado, extraño, entre la intelectualidad triunfante de los últimos años 50 en París. El problema fue que Brel acabó como un cobarde. Al final, se comportó como muchos hombres melindrosos y poco fiables que se resisten a abandonar a su esposa y que se agarran al decimonónico estado de presumir de esposa y querida. Es decir, preservar a la comprensiva Miche, Therese Michielsen, con la que tiene tres hijos.

Días de giras, de breves encuentros, suplicios de fiebre sexual y amorosa con Zizou, que acaban con el impacto del embarazo de Zizou. El destino final de una relación mentirosa y cautiva. Al final, se trata de una pésima relación en que ambos han jugado el papel de amantes patéticos. En fin, un mundo de loco sufrimiento con el destino fatal de una canción.

Brel se porta como un cobarde. Se esconde de Zizou, de su gran amor, de ella. Jacques se mete debajo de las piedras como un vulgar marido con querida. Brel soporta un gran altercado con 'Zizou' y, finalmente, le reconoce que se niega a reconocer que es el padre, el verdadero responsable del embarazo de Suzanne. Loca de ira, de frustración, Zizou le amenaza con demandarle ante los tribunales y a la opinión pública. Brel, entonces,se refugia en su Miche. La historia acaba mal, pero Brel incluso se aprovecha de ello para crear la más terrible canción de amor de la historia 'Ne me quitte pas'. Un "no me dejes" que tenía absolutamente perdido por su comportamiento con Zizou.

El encuentro con el excelente músico Françcois Rauber es decisivo. Lo había conocido en 1956, en Grenoble. Brel podía componer melodías con letras repletas de pensamiento y emociones, pero necesitaban los acordes, los arreglos justos. Hay un Brel antes y después de Rauber, por asumir Brel la habilidad de este pianista clásico.

Ne me quitte pas sufre varias transformaciones antes de que Brel la grabara definitivamente. Meses de haber perdido a Zizou y a su posible hijo, Jacques Brel graba su versión definitiva, que ni mucho menos fue un gran éxito en su arranque discográfico. El tema se encuentra en el cuarto álbum del cantante belga, llamado Le valse a Mille Temps, su época clasicista y, por fin, su mejor álbum, aparecido en el sello Philips, en septiembre de 1959. Es el álbum en que también se encuentra la respuesta de su amor con Zizou, en el reclamo musical de una canción magnífica como es Je T'aime.



Ne me quitte pas es una canción desesperada, de ruptura trágica, de la desesperanza, del abatimiento de un hombre cobarde. Una especie de agonía mental que precede a una muerte sentimental. Los acordes musicales son bellos, maravillosos.

Marc Robin, un escritor francés que ha desentrañado muchas de las historias de la propia canción, sostiene que hay frases que sugieren al "perro" de Dostoievski ("haz de mí tu cosa, tu perro"), pero también sugiere que hay retazos de García Lorca, con las ideas del tesoro perdido, del agua de la realeza y, por supuesto, la imagen servil de un Brel como un perro.



lunes, 12 de octubre de 2015

Jean-Antoine Watteau




Sonata in la minor Op. 4 No. 5: I Andante (Italian Violin Sonatas)
Europa Galante

Jean-Antoine Watteau (Valenciennes; 10 de octubre de 1684 - Nogent-sur-Marne; 18 de julio de 1721), es uno de los grandes genios del último barroco francés y del primer rococó. Se le atribuye la creación del género de las fêtes galantes: escenas de cortejo amoroso y diversiones, con un encanto idílico y bucólico, bañadas en un aire de teatralidad. Algunos de sus temas más conocidos se inspiraron en el mundo de la comedia italiana o el ballet.

  Théâtre Italien, 1717

Watteau es el representante más antiguo y más exquisito del estilo rococó. Realizó escenas galantes y costumbristas. Con él comienza un género nuevo: las fêtes galantes (fiestas galantes), reflejo de la vida cortesana que busca artificialmente un contacto con la naturaleza.

 Les Charmes de la Vie, 1718

La colección que poseía su mecenas Crozat le permitió estudiar el estilo de los maestros renacentistas. Conoció las obras de Giorgione, Rubens y Tiziano, lo que marcaría profundamente su producción. En él se funden, pues, influencias flamencas y venecianas (en especial de El Veronés), imprimiéndoles su personal gusto francés.
Son escenas impregnadas por un erotismo lírico. Sus temas son el teatro, la música, la conversación, los personajes de la comedia del arte y la mitología.

 Chanson d'amour, 1717
 
Sus cuadros están ambientados en jardines aristocráticos, llenos de personajes elegantes que muestran el ambiente social del rococó. Sus personajes son de proporciones menudas en relación con el conjunto de la tela. Están vestidos ricamente, deleitándose Watteau en mostrar las calidades de las telas satinadas. Los paisajes son umbrosos, con técnica que recuerda a la pintura flamenca.

En los cinco últimos años de su vida pintó numerosas fiestas galantes con una composición que se repite en varias de ellas. Parte el cuadro en dos mitades: una de vegetación oscura en la que están los personajes vestidos con colores claros, y otra de celaje claro. Esta fórmula se ve en la Lección de amor (h. 1716-17) de Estocolmo, El concierto conservado en el palacio de Charlottenburg (Berlín) y Los encantos de la vida en la Colección Wallace (Londres).

 La Leçon de Musique, 1719

Virtuoso técnico y muy buen dibujante, domina en él una ejecución minuciosa. Aplicaba los colores muy diluidos en capas de extrema delgadez, lo que permite numerosas transparencias. El barniz se aplicaba transparente o ligeramente coloreado, y a veces entre capas de pintura, recurso propio de la época. Esta técnica complica actualmente la limpieza de los cuadros y puede explicar la mala conservación de muchos de ellos, bastante agrietados y oscurecidos. Algunos expertos llegan a afirmar que el arte de Watteau se aprecia mejor en sus numerosos dibujos, que subsisten en mejor estado y que solía reproducir con leves variaciones en muchas pinturas.


 Le Donneur de Sérénades, 1715

Murió prematuramente a causa de la tuberculosis, cuando sus temas galantes empezaban a alcanzar el éxito. Varios artistas como Nicolas Lancret y Pater siguieron explotando los mismos temas; hay ejemplos de ambos en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid. François Boucher hizo grabados de sus diseños, al igual que Bernard Lépicié, Laurent Cars, etc.

martes, 6 de octubre de 2015

Se acabó





Todo lo que yo haga,
Antes ya tu me lo hiciste,
Y ahora que quieres conmigo,
Si tu para mi no existes.

Y yo soy mejor persona,
Pues no quiero hacerte daño,
Solo sé que no te quiero,
I amor se ha ido con los años.

Se acabó,
Porque yo me lo propuse y sufrí,
Como nadie había sufrido, y mi piel,
Se quedo vacía y sola
Desahuciada en el olvido, y después

De luchar contra la muerte, empecé
A recuperarme un poco, y olvidé
Todo lo que te quería, y ahora ya
Y ahora ya mi mundo es otro.

Tú no me vengas con pamplinas,
No me pidas que te ayude,
Cuando te necesitaba,
Yo jamás a ti te tuve.

Ni te quiero ni te odio,
Y quiero bien que me comprendas,
Que eres uno más de tantos,
Que yo nunca conociera.

Se acabó,
Porque yo me lo propuse y sufrí,
Como nadie había sufrido, y mi piel,
Se quedo vacía y sola
Desahuciada en el olvido, y después

De luchar contra la muerte, empecé
A recuperarme un poco, y olvidé
Todo lo que te quería, y ahora ya
Y ahora ya mi mundo es otro.

Porque yo me lo propuse y sufrí,
Como nadie había sufrido, y mi piel,
Se quedo vacía y sola
Desahuciada en el olvido, y después

De luchar contra la muerte, empecé
A recuperarme un poco, y olvidé
Todo lo que te quería, y ahora ya
Y ahora ya mi mundo es otro.

viernes, 19 de junio de 2015

Acerca de Vivir

La vida es un soplo, una pluma que empujada por el viento cae al suelo lentamente...



"El vivir no admite bromas.
Has de vivir con toda seriedad,
como una ardilla, por ejemplo;
es decir, sin esperar nada fuera y más allá del vivir;
es decir, toda tu tarea se resume en una palabra:
Vivir..."

Nazim Hikmet: Acerca de vivir, 1948

viernes, 12 de junio de 2015

Oblivion...

Siempre igual... cada vez que escucho este tango me transporto a algún lugar de tardes cortas y bulevares ocres donde el aire congela mi aliento y enmaraña mis recuerdos...



Oblivion
Astor Piazzolla

jueves, 21 de mayo de 2015

Amor Se Llama El Juego





Hace demasiados meses
que mis payasadas no provocan
tus ganas de reír...
No es que ya no me intereses
pero el tiempo de los besos y el sudor
es la hora de dormir.
Duele verte removiendo
la cajita de cenizas que el placer
tras de si dejó...
Mal y tarde estoy cumpliendo
la palabra que te di cuando juré
escribirte una canción.
Un Dios triste y envidioso nos castigó
por trepar juntos el árbol
y atracarnos con la flor de la pasión.
Por probar aquel sabor...
El agua apaga el fuego,
y al ardor los años.
Amor se llama el juego
en el que un par de ciegos
juegan a hacerse daño.
Y cada vez peor
Y cada vez más rotos
y cada vez más "tu"
y cada vez más "yo"
sin rastro de "nosotros".
Ni inocentes ni culpables
Corazones que destroza el temporal,
Carnes de cañón.
No soy yo, ni tu, ni nadie
son los dedos miserables que le dan
cuerda a mi reloj.
Y no hay lágrimas que valgan para volver
a meternos en el coche
donde aquella noche en pleno carnaval
te empecé a desnudar.
El agua apaga el fuego
y al ardor los años..
Amor se llama el juego
en el que un par de ciegos
juegan a hacerse daño.
Y cada vez peor
Y cada vez más rotos
y cada vez más "tu"
ycada vez más "yo"
sin rastro de "nosotros".
El agua apaga el fuego
y al ardor los años.
Amor se llama el juego
en el que un par de ciegos
juegan a hacerse daño.
Y cada vez peor
y cada vez más rotos
y cada vez más "tu"
y cada vez más "yo"
Sin rastro de "nosotros".
El agua apaga el fuego
Y al ardor los años...
Amor se llama el juego
En el que un par de ciegos
Juegan a hacerse daño.
Y cada vez peor
Y cada vez más rotos.

Joaquín Sabina, 1992

domingo, 3 de mayo de 2015

El libro dorado de los Coros Amateurs

Y AHORA SIN IRONÍAS...

 -Cantar en un coro no consiste cantar a la vez, sino en cantar juntos.

-Cuando cantes, no te escuches a ti mismo, escucha a tu cuerda y al resto del coro, porque un coro que canta bien es el que sabe escuchar.

 -Participa en los ensayos y en el trabajo de tu coro con una actitud de dar, no de recibir, y acabarás recibiendo mucho más.

 -Un nuevo compañero es la mejor noticia para un coro. Acógelo, ayúdale a integrarse y aprender lo más rápidamente posible. Nunca lo apartes ni lo aisles en ningún sentido. Tu antigüedad como miembro del coro no te da más derechos que a los que llevan menos tiempo, ni te arma de razón. Tu grado de experiencia servirá para compararte contigo mismo, pero no con el resto de compañeros.

 -Cantar no es una cuestión de edad, sino de actitud y energía.

 -Estás en un coro porque es una actividad que te gusta y te realiza, es una suerte contar con un grupo con el que poder hacerla, así que practícala como tal. 

 -Eres parte de un grupo, de un equipo, sólo será necesario destacar como individuo cuando el equipo (el entrenador) te lo pida. Sé generoso y pon siempre tus cualidades como cantor al servicio del grupo.

 -La estética, tu colocación, la manera de salir y entrar al escenario o los movimientos durante el canto también son aspectos importantes e identificativos de los grupos. No faltes a éstos ni los consideres secundarios.
El espectáculo comienza en el preciso instante en que el primer cantor pone un pie en el escenario. Haz que el espectáculo comience bien.

 -Si tu director te pide que aprendas algo de memoria, es porque lo considera realmente necesario. Continuar con partituras significa que aún no conoces la pieza y, por lo tanto, no podrás interpretarla en el escenario. 

-Tómate en serio los calentamientos. Aunque no lo llegues a notar inmediatamente, tu salud vocal y tu calidad como cantante están en juego. 

 -"El cantor no debe deslumbrar: debe alumbrar" Atahualpa Yupanqui. 

 -Si quieres ser un buen cantor, cuídate como tal. Los deportistas amateurs también cuidan su físico y tienen cuidado de no dañarse su cuerpo para poder realizar su actividad lo mejor posible. 

  -Siempre se puede aprender y mejorar. Participa con ese ánimo en todas las actividades formativas que organice tu coro, incluso procúrate tu propia formación musical y canora fuera del grupo, aportando después tu experiencia y conocimientos adquiridos a tu grupo.

-Sé disciplinado y practica todos los días un ratito. No esperes al día antes del ensayo para estudiar todo lo que deberías haber hecho durante una semana.

-El lápiz es el mejor amigo del músico. "Más vale un lápiz corto que una memoria larga". "Yo confío en mis coristas, pero no en su memoria".

-Las partituras plastificadas son un engorro para las anotaciones.  

 -Cuanto más estudies las obras antes y después de ensayarlas, mejor te irá a ti y a tu grupo. El ensayo no es el momento de estudiar las obras, es el de trabajarlas; además de entrenar la voz y el sonido. 

 -Si limitamos nuestro nivel de exigencia al que percibamos del resto de compañeros, el nivel de exigencia del coro tenderá siempre a la baja (seguramente por un problema de percepción). Exígete siempre lo mejor de ti mismo y el nivel del grupo siempre irá en alza. 

 -Si faltas a un ensayo obligarás a tu director y a tus compañeros a repetir su trabajo cuando vuelvas. Procura para entonces haberte informado de qué se ha trabajado en tu ausencia y qué indicaciones ha dado el director para facilitar su trabajo, el tuyo y el del grupo. 

 -La actitud en los ensayos también puede verse y modificarse en tu postura corporal. Una cosa es estar sentado y otra inclinado en el respaldo. Una cosa es mirar la partitura y otra agachar la cabeza, el atril es una magnifica herramienta pero tampoco para esconderte tras de él. [Johan Duijck decía: “recostarse es el primer paso para morirse”].

NOTA: Muchas de estos consejos están extraídos de El libro dorado de los Coros Aficionados. Yo he añadido algunas cosas que me han parecido importantes y he suprimido otras que no me lo han parecido tanto.

10 consejos prácticos para tener contento a tu director de coro

1º.- Falta mucho a los ensayos, cuanto más mejor.

2º.- Llega siempre más de 10 minutos tarde. Consigue que eso sea una costumbre.

3º.- Cuando entres en la sala de ensayo y éste haya ya empezado, saluda a voz en grito. Haz el mayor ruido posible para romper el clima de trabajo. Si eres chica, entra con tus tacones divinos de la muerte para que todos los puedan admirar... y a ti de paso también. No olvides molestar a tus compañeros para sentarte en el lugar que más te guste moviendo sillas y atriles.

4º.- Ni se te ocurra estudiar en casa, ¿para qué? si tú estás sobrao y lees de maravilla. Lo mejor es llegar absolutamente pez y equivocarte lo más posible para repetir la obra cuantas veces te haga falta a ti.

5º.- Cuando te equivoques, échale la culpa a tus compañeros de cuerda o mejor, al propio director, diciendo que su gesto es poco claro.

6º.- Ni se te ocurra anotar nada de lo que indique el director. Tú tienes memoria de elefante y lo recuerdas todo perfectamente. Además, ya sabemos que vas sobrao. Procura usar plásticos para que tus partituras estén inmaculadas y para que anotar algo sea tremendamente difícil... Total, no piensas escribir ni un solo garabato.

7º.- Si un director hace indicaciones de dinámica y pide un pp, tú a lo tuyo. O sea, canta como a ti te gusta: f, ff, fff y estridente.

8º.- En caso de que el director sea uno de esos tiquismiquis a los que el texto les parece superimportante y exige que todo se pronuncie correctamente, pidiéndote hacer sonidos que en tu idioma no existen, tú a lo tuyo... ¿Que quiere que pronuncies /z/? tú /s/. ¿Que quiere que pronuncies /j/? tú /dʒ/. ¿Que quiere que pronuncies /ʃ/? tú /tʃ/. ¿Que quiere que pronuncies /v/? tú /b/ y así sucesivamente... 

9º.- Procura estar siempre de charleta con tu compañero de al lado. Comenta todo lo que se te ocurra: La película que viste ayer, la blusa que te has comprado, lo que te dijo el médico del hígado, raja sobre tu suegra o sobre tus compañeros de coro... 

10º.- No olvides tener el móvil encendido y chatear con tus colegas mientras el director explica por enésima vez a tus compañeros (porque a ti no te hace falta que sabemos que vas sobrao) cómo quiere un pasaje, cómo colocar la voz en un determinado lugar o cómo se pronuncia una palabra en alemán.

EN LA PRÓXIMA ENTREGA, OTROS DIEZ CONSEJOS PARA QUE TU DIRECTOR HASTA SUEÑE CONTIGO.

sábado, 2 de mayo de 2015

Magdalenas de Zanahoria




INGREDIENTES para 9 magdalenas:


  • 90 g. de zanahoria rallada
  • 1 huevo
  • 100 g. de azúcar moreno
  • 85 g. de harina
  • 80 g. de aceite
  • 50 g. de pasas.
  • 50 g. de nueces picadas
  • 1 c. p. de levadura en polvo
  • 1/2 c. p. de bicarbonato
  • 1 c.p. de canela en polvo
  • 1 c.p. de gengibre en polvo
  • 1/2 c. p. de nuez moscada
  • Una pizca de sal

PREPARACIÓN:

Batir el huevo con una pizca de sal y mezclar bien con el azúcar.
Añadir el aceite y volver a mezclar.
Tamizar la harina junto con la levadura, el bicarbonato y las especias y añadir a la masa.
Adjuntar las nueces picadas, las pasas y la zanahoria rallada.
Poner la masa en moldes para magdalenas y hornear a 180º durante 20 ó 25 minutos.

¡Sorprendentemente deliciosas!

BON APETÍT!