Hace unos días encontré por casualidad esta imagen de un cuadro de John Melhuish Strudwick y me pareció tan bella que quise indagar un poco sobre el autor del cuadro. La historia al final es bastante triste; tanto, que podía encajar perfectamente en la tónica general de este blog dedicado al arte y a la vida en general, sobre todo cuando ésta nos deja sin saber qué pasa, chupando un palo, sentados sobre una calabaza...
Piano Concerto No. 2 in F Major, Op. 102: II. Andante
Dmitry Shostakovich
John Melhuish Strudwick (Clapham, Londres, 6 de mayo de 1849 - Hammersmith, 16 de julio de 1937) fue un pintor británico de la época victoriana, perteneciente a la Hermandad Prerrafaelita. Defraudó las expectativas familiares de dedicarse a los negocios estudiando arte en South Kensington, en lo que sería después la Royal Academy of Arts, donde nunca fue un alumno destacado.
En la década de 1860 se sintió muy animado por el pintor escocés John Pettie, cuya pintura imitó en obras posteriores. Su obra basada en la balada escocesa Auld Robin Gray, que se exhibió en la Royal Society of British Artists en 1873, es un buen ejemplo del estilo de Strudwick en este periodo.
En la década de 1870 su estilo cambió. Pasó a trabajar primero como asistente en el estudio de su tío el pintor Spencer Stanhope y después en el de Edward Burne-Jones. Junto a otros artistas del círculo de éste último, Strudwick expuso en la galería de arte londinense Grosvenor y también en la New Gallery.
Strudwick era muy meticuloso en los detalles, especialmente cuando pintaba cortinas y accesorios. Sólo pintó unos treinta cuadros con temas míticos y simbólicos, a veces empleando una técnica lapidaria del Quattrocento italiano.
Inicialmente
se benefició del mecenazgo de algunos ricos industriales, pero su
carrera declinó cuando éstos dejaron de prestarle apoyo para protestar por lo que parecía una campaña para que abandonara su carrera, dejando sin terminar su obra When Sorrow comes in Summer Days Roses Bloom in Vain,
en castellano: Cuando la pena llega en los días de verano las rosas
florecen en vano.
El hecho de dejar su obra inacabada y el
título de la misma reflejan la desilusión que sentía.
Este fue su último trabajo, una
declaración artística que puso su punto final. Vivió treinta años más sin
tocar los pinceles.
Jean-Antoine Watteau (Valenciennes; 10 de octubre de 1684 - Nogent-sur-Marne; 18 de julio de 1721), es uno de los grandes genios del último barroco francés y del primer rococó. Se le atribuye la creación del género de las fêtes galantes:
escenas de cortejo amoroso y diversiones, con un encanto idílico y
bucólico, bañadas en un aire de teatralidad. Algunos de sus temas más
conocidos se inspiraron en el mundo de la comedia italiana o el ballet.
Théâtre Italien, 1717
Watteau es el representante más antiguo y más exquisito del estilo rococó. Realizó escenas galantes y costumbristas. Con él comienza un género nuevo: las fêtes galantes (fiestas galantes), reflejo de la vida cortesana que busca artificialmente un contacto con la naturaleza.
Les Charmes de la Vie, 1718
La colección que poseía su mecenas Crozat le permitió estudiar el estilo de los maestros renacentistas. Conoció las obras de Giorgione, Rubens y Tiziano, lo que marcaría profundamente su producción. En él se funden, pues, influencias flamencas y venecianas (en especial de El Veronés), imprimiéndoles su personal gusto francés.
Son escenas impregnadas por un erotismo lírico. Sus temas son el teatro, la música, la conversación, los personajes de la comedia del arte y la mitología.
Chanson d'amour, 1717
Sus cuadros están ambientados en jardines aristocráticos, llenos de personajes elegantes que muestran el ambiente social del rococó.
Sus personajes son de proporciones menudas en relación con el conjunto
de la tela. Están vestidos ricamente, deleitándose Watteau en mostrar
las calidades de las telas satinadas. Los paisajes son umbrosos, con
técnica que recuerda a la pintura flamenca.
En los cinco últimos años de su vida pintó numerosas fiestas galantes
con una composición que se repite en varias de ellas. Parte el cuadro
en dos mitades: una de vegetación oscura en la que están los personajes
vestidos con colores claros, y otra de celaje claro. Esta fórmula se ve
en la Lección de amor (h. 1716-17) de Estocolmo, El concierto conservado en el palacio de Charlottenburg (Berlín) y Los encantos de la vida en la Colección Wallace (Londres).
La Leçon de Musique, 1719
Virtuoso técnico y muy buen dibujante, domina en él una ejecución
minuciosa. Aplicaba los colores muy diluidos en capas de extrema
delgadez, lo que permite numerosas transparencias. El barniz se aplicaba
transparente o ligeramente coloreado, y a veces entre capas de pintura,
recurso propio de la época. Esta técnica complica actualmente la
limpieza de los cuadros y puede explicar la mala conservación de muchos
de ellos, bastante agrietados y oscurecidos. Algunos expertos llegan a
afirmar que el arte de Watteau se aprecia mejor en sus numerosos
dibujos, que subsisten en mejor estado y que solía reproducir con leves
variaciones en muchas pinturas.
Le Donneur de Sérénades, 1715
Murió prematuramente a causa de la tuberculosis, cuando sus temas galantes empezaban a alcanzar el éxito. Varios artistas como Nicolas Lancret y Pater siguieron explotando los mismos temas; hay ejemplos de ambos en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid. François Boucher hizo grabados de sus diseños, al igual que Bernard Lépicié, Laurent Cars, etc.
Siempre igual... cada vez que escucho este tango me transporto a algún
lugar de tardes cortas y bulevares ocres donde el aire congela mi
aliento y enmaraña mis recuerdos...
Era invierno; llegaste y fue verano.
Cuando llegue el verano verdadero,
¿qué será de nosotros?
¿Quién calentará el aire
más que agosto y que julio?
Tengo miedo
de este error de los meses que has traído.
¿Quién es nuestro aliado: tú o yo?
Cuando llegue el verano
quizá el aire esté frío...
Era invierno y llegaste.
Salvador Bacarisse
Concertino para guitarra y orquesta- (Romanza)
Orquesta Sinfónica de Radio Televisión Española. José María Gallardo, guitarra
M. Tabachnik, director.
Te recuerdo dulcemente,
con la ternura que dejan los días
sobre los sueños sin esperanza,
con la serena tristeza
del que sabe que debe apartarse
de un camino que ya no es el suyo.
Te recuerdo dulcemente y sin rencor,
sin evocar momentos ni palabras
que de nuevo pudieran herirme,
sin protestar, dejando que el silencio
me cure este dolor de estar ausente
para siempre de tu vida.
Pero mi amor no ha muerto, está dormido,
y en lecho de perdón y de nostalgia
pervivirá hasta el día en que me muera.
Te recuerdo dulcemente,
con tibio gozo dentro del alma,
con sonrisa interior, sabiendo acaso
que nadie, ni tú misma, podrá nunca
borrarme la memoria de tus besos
ni arrancarme la rosa de tu nombre
del corazón.
Alessandro Marcello
Concerto for oboe and strings
2nd movement - Adagio - in D minor.
Oboe played by Derek Wickens.
Royal Philharmonic Orchestra lead by Elgar Howarth.
A mi amigo Iñaki, siguiendo la línea que normalmente ha tenido este blog durante estos casi 6 años de existencia y para que no piense que tengo este sitio abandonado.
Y es que en realidad no está abandonado, es que estoy somo Serrat, que no se me ocurre nada... Las musas deben andar de vacaciones. Yo no las llamo, no vaya a ser que vuelvan y sea peor.
En calle Buenos Aires, 355 de la ciudad de Paraná (Entre Ríos,
Argentina), se pueden ver las siguientes obras del post-impresionista
argentino Cesáreo Bernaldo de Quirós: Peces y Cobre, Grises, Autorretrato -hay dos cuadros con ese nombre, de distintos momentos-, Flor Campera, Puerto Viejo, Mi Ciudad, Maja en la Ventana, Las Comulgadoras, Carlota, Carlotita, Niño y Loro, Hombre con Pipa, El Viejo Criollo -hay dos cuadros con ese nombre; son de diferentes
medidas-, Los Jueces, Paisaje Italiano, Mendigo Sardo, Naturaleza Muerta, Carreras de Sortija en el Día Patrio, La Granja Roja y Nubarrones.
Cesáreo Bernaldo de Quirós se inició desde muy joven en la pintura. A la edad de 13 años ingresa en el taller del valenciano Nicolau Cotanda y tres años más tarde ingresa
en la Academia de la Sociedad Estímulo de Bellas Artes bajo la tutela de los maestros Ángel della Valle y Reynaldo Giudici.
Después de recibir el Premio Roma, obtiene una beca y viaja a Italia, contando con apenas veinte años. Allí se perfecciona y recibe incluso una mención en la Bienal de Venecia. En 1905 viaja a España donde conoce a Zuloaga y Sorolla. Más tarde se traslada a París, Florencia y Cerdeña.
Regresa a su país en 1906. Forma parte del grupo Nexus y obtiene el Gran Premio y Medalla de Oro en la Exposición Internacional de Arte del Centenario en 1910. La gran muestra del Centenario fue decisiva para su consagración, ya que una sala completa fue dedicada a sus pinturas.
Viaja nuevamente a Europa y se establece allí durante cinco años, regresando posteriormente para quedarse en su ciudad natal, en donde produce una obra nítidamente gauchesca sin precedentes en las artes figurativas de Argentina.
Se trata de una serie de pinturas a las que llamó "Los Gauchos" y en
las que reflejó el espíritu, la historia, las costumbres y los
personajes de su tierra. Estas obras fueron exhibidas Buenos Aires en 1928 y luego recorrieron con gran éxito España, Alemania, Inglaterra, Francia y los Estados Unidos. La gira se prolongó hasta 1936, año en que Quirós regresó definitivamente a su país.
Fue profesor en la Escuela Nacional de Artes Decorativas y presidente de la Academia Nacional de Bellas Artes de Argentina.
En 1942 adquiere una gran extensión de tierra sobre las barrancas del río Paraná,
cerca de la ciudad homónima, creando un museo con una vasta colección
de armas, muebles, adornos y objetos de gran valor artístico.
Obtuvo numerosas distinciones en su país y fuera de él, siendo su
obra especialmente valorada por coleccionistas nacionales y extranjeros.
Compositor y pianista, Carlos Vicente Guastavino (5-4-1912;
29-10-2000) nació y falleció en Santa Fe, ciudad capital de la homónima
provincia argentina. De allí partió, con la pujanza característica de
los jóvenes provincianos eclipsados por la inquietante actividad
cultural y económica de Buenos Aires. Allí regresó, anciano ya, para
compartir los últimos años de su existencia con su terruño y descansar
definitivamente en la localidad aledaña de San José del Rincón, aquella
que se evoca de manera tan intensa en la canción Pueblito, mi pueblo.
Descendiente de inmigrantes italianos, su niñez transcurrió en el
seno de una familia que, como muchas de principios del siglo XX, era
aficionada a la música. Sus padres, Amadeo Eusebio y Josefina ejecutaban
la guitarra y el mandolín respectivamente. Su tío Pedro improvisaba en
el clarinete y su hermano mayor, José Amadeo, en el piano. Espontaneidad
e intuición musical fueron las primeras experiencias lúdicas de Carlos,
el tercero de aquellos seis hermanos, que apenas con cuatro años de
edad, siendo discípulo de la pianista Esperanza Lothringer, debutó en el
Teatro Municipal en la interpretación de una pequeña composición para
dúo de violín y piano escrita por ella.
Aprehendió la música popular rural de manera espontánea, sintiéndose
impactado especialmente por el cielito y el triste. Aún anciano,
recordaba de memoria y con especial cariño aquellas coplas que su tío
Pedro, un hombre de campo natural de la provincia de Buenos Aires, solía
cantar en sus visitas a Santa Fe.
Atraído por las Ciencias Exactas desde la adolescencia, después de
finalizar el bachillerato, abordó la carrera de Ingeniería Química en la
Universidad Nacional del Litoral sin abandonar, sin embargo, su
actividad como concertista de piano. En 1937, tomó contacto con Héctor
Ruiz Díaz, siendo clave la experiencia de trabajar a dos pianos con él
para su decisión de dedicarse exclusivamente a la música. Con una beca
del Ministerio de Instrucción Pública de su provincia, prosiguió
estudios de perfeccionamiento en la capital argentina.
Ya establecido en Buenos Aires, tras un paso fugaz de unos pocos
meses por el Conservatorio Nacional de Música, continuó estudios de
forma privada con el compositor y pedagogo Athos Palma. Con él
sistematizó, en un lapso de tiempo intensamente breve, su bagaje de
conocimientos empíricos previos, en especial en las disciplinas de
armonía, morfología y contrapunto.
Una vida de viajes e intensas experiencias artísticas fue la que
llevó durante la década de los años 40 y 50 itinerarios por países
limítrofes de Argentina, dos estancias en Londres –una, como parte de
una gira europea que incluyó otras ciudades y otra, gracias a una beca
del British Council- y además, algunos meses de gira por la Unión
Soviética y China en 1956, fueron cimentando su fama de
compositor-pianista destacado en el ámbito de su propio repertorio vocal
de cámara y pianístico de corte nacionalista.
La posibilidad desde sus comienzos de acceder a la publicación de sus
composiciones en la Editorial Ricordi no fue por cierto un tema menor:
ello le abrió una vía inmensa de circulación en el ámbito internacional
que permitió una vasta divulgación de su música. Su producción es
extensa en el campo del repertorio de cámara y solístico: incluye piezas
vocales con piano, obras corales a cappella, para grupos
instrumentales, piano y guitarra. Algunas alcanzaron tanta difusión que
necesitaron ser reiteradamente reeditadas (los casos de las canciones
Pueblito, mi Pueblo y Se equivocó la Paloma y de El Bailecito para piano
fueron y siguen siendo los más notables en este sentido).
Reconocidos intérpretes clásicos y populares como Concepción Badía,
Victoria de los Angeles, Joan Manuel Serrat, Alfredo Krauss, José
Carreras, Teresa Berganza, John Williams, Mercedes Sosa, José Cura,
Rudolf Firkusny, Víctor Villadangos, Marcos Fink, Eduardo Falú, Gerard
Souzay, entre muchos otros, han abordado su música en conciertos y
grabaciones a lo largo del siglo XX.
Su discografía es muy amplia y en
la actualidad continúa creciendo sin pausa. Algunas canciones han sido
traducidas a otros idiomas y se escuchan en Indonesia, Japón, Australia,
aparte de Europa y Estados Unidos.
Es pues Guastavino uno de los pocos exponentes del nacionalismo
musical argentino que goza de un reconocimiento internacional. Así lo
interpretó en 1987 la Organización de los Estados Americanos (OEA) y el
Consejo Interamericano de Música (CIDEM) que lo homenajearon con la
máxima distinción de ese organismo. Recibió además el "Premio
Consagración Nacional" de la Secretaría de Cultura de la Nación (1992),
una distinción de la "Asociación de Críticos Musicales de Argentina"
(1993), el reconocimiento de la localidad bonaerense de San Pedro como
"Ciudadano Ilustre" (1993) por la canción El Sanpedrino (en colaboración
con León Benarós) y la declaración como "Personalidad Emérita de la
Cultura Argentina" por parte de la Presidencia de la Nación (1999). En
2009 se le otorgó el Premios Konex de Honor, como personalidad musical
relevante fallecida en la década anterior.
Hello,
Can you hear me?
Am I gettin' through to you?
Hello,
Is it late there?
There's a laughter on the line
Are you sure you're there alone?
Cause I'm
Tryin' to explain
Somethin's wrong
Ya just don't sound the same
Why don't you
Go outside
?
Kiss the rain
Whenever you need me
Kiss the rain
Whenever I'm gone, too long.
If your lips
Feel lonely and thirsty
Kiss the rain
And wait for the dawn.
Keep in mind
We're under the same sky
And the nights
As empty for me, as for you
If ya feel
You can't wait till morinin' Kiss the rain
Hello
Do you miss me?
I hear you say you do
But not the way I'm missin' you
What's new?
How's the weather?
Is it stormy where you are?
Cause you sound so close but it feels like you're so far
Oh would it mean anything
If you knew
What I'm left imagining
In my mind
Would you go
Kiss the rain
And you'd fall over me
Think of me
Only me
Kiss the rain
Whenever you need me
Kiss the rain
Whenever I'm gone too long
If your lips
Feel hungry and tempted,
Kiss the rain
And wait for the dawn
Keep in mind
We're under the same skies
And the nights
As empty for me, as for you
If you feel
You can't wait till morning
Kiss the rain...
Hello
Can ya hear me?
Can ya hear me?
Can ya hear me?
¿Qué pasa cuando se quiere ser amigo de alguien y éste no quiere ser nuestro amigo? Complicada situación. Para entenderlo sólo hay que ponerse en el lugar del otro, supongo.
Siempre que oigo la melodía de SomewhereOver the Rainbow, me acuerdo de alguien que no quiso o no pudo ser mi amigo; eso nunca lo sabré, porque dudo mucho que él me quiera contar algún día lo que pasó o en qué me equivoqué.
Vaya este vídeo por esa amistad perdida, o mejor dicho, fallida; que inevitablemente, ha dejado en mí esta extraña sensación de desasosiego que llevo sintiendo desde hace años. Sólo me pregunto cuándo desaparecerá.
Somewhere over the rainbow
Way up high,
And the dreams that you've dreamed of
Once in a lullaby.
Somewhere over the rainbow
Bluebirds fly,
And the dreams that you've dreamed of
Dreams really do come true.
Someday I'll wish upon a star
And wake up where the clouds are far
Behind me.
Where troubles melts like lemon drops
Away above the chimney tops
That's where you'll find me.
Somewhere over the rainbow
Bluebirds fly.
And the dreams that you dare to..
Oh why, oh why can't i?
Well, I see
Trees of green and red roses too,
I'll watch them bloom for me and you
And I think to myself,
What a wonderful world.
Well I see,
Skies of blues and, clouds of white,
And the brightness of day, I like the dark
And I think to myself,
What a wonderful world.
The colors of the rainbow so pretty in the sky
Are also on the faces of people passing by
I see friends shaking hands saying how do you do
They're really saying I... I love you.
I hear babies cry, I watch them grow
They'll learn much more than really know
And I think to myself
What a wonderful world.
Someday I'll wish upon a star
And wake up where the clouds are far
Behind me.
Where troubles melt like lemon drops
Away above the chimney tops
That's where you'll find me.
Somewhere over the rainbow
Way up high,
And the dreams that you dare to
Oh why, oh why can't I?
Claude Achille Debussy; St. Germain-en-Laye, 1862 -
París, 1918, compositor francés.
Iniciador y máximo representante del llamado impresionismo musical, sus
innovaciones armónicas abrieron el camino a las nuevas tendencias
musicales del siglo XX.
Ya en su niñez había iniciado el estudio del
plano en su hogar; sin embargo, no pensaba entonces en la carrera
musical. Fue una antigua discípula de Chopin, la señora Mauté de
Fleurville, quien intuyó la vocación del muchacho e indujo a sus
familiares a cultivarla. De esta forma, Debussy ingresó en 1873 en el
Conservatorio de París; allí tuvo por maestros, entre otros, a Lavignac,
a Marmontel y, en composición, a Ernest Guiraud.
Grato paréntesis en sus estudios fue, en el verano de
1880, su empleo de acompañante como pianista de cámara y profesor de
piano de los hijos de una rica dama rusa, Nadesda von Meck, protectora
de Chaikovski y fanática de su música, en sus viajes a través de la
Francia meridional, Suiza e Italia. Esto le permitió conocer a Wagner.
Debussy vio renovado el empleo en los veranos siguientes, posiblemente
hasta 1884, y entonces visitó Moscú, donde pudo establecer cierto
contacto con la música del "grupo de los Cinco".
En el Conservatorio había adquirido fama de músico revolucionario; sin embargo, en 1884 logró el "Prix de Rome" con la cantata El hijo pródigo,
que presenta al joven compositor aún envuelto en la amable sensualidad
melódica propia del gusto de Massenet, pero también capaz de esbozar un
aria perfecta en su género, como la de Lía. Los tres años pasados en
Villa Médicis resultaron enojosos para el joven Debussy, que no sentía
inclinación alguna por el clasicismo romano y con gran amargura echaba
de menos París y su vida intelectual, inquieta y moderna.
De Roma se trajo la cantata La Demoiselle élue (1887-88, La damisela bienaventurada),
sobre un texto de D. G. Rossetti y de un gusto prerafaelista muy propio
de la época; todavía arrastrado por un sentimentalismo hijo del siglo
XIX, y musicalmente situado entre Massenet y Chaikovski, Debussy buscaba
a tientas la salida hacia una nueva concepción artística y cayó, como
era natural, en el wagnerismo. Más bien que de experiencias musicales
(entre ellas contaron singularmente las llevadas a cabo en Rusia y el
descubrimiento del canto gregoriano y de melodías exóticas africanas y
javanesas, presentadas en la Exposición Universal de París), la
liberación le vino de literatos y pintores: la amistad de poetas
simbolistas y parnasianos, dominados por la figura de Mallarmé, y el
ejemplo de renovación de la pintura impresionista fueron las fuerzas
determinantes que impulsaron al compositor hacia un camino artístico
original.
Las obras líricas para canto y piano son
las composiciones que permiten seguir mejor la evolución lógica del
artista desde un formalismo melódico de gusto un tanto aburguesado hasta
la creación de una prosa poética intensamente evocadora; así, Arietas olvidadas (1888), Cinco poemas de Baudelaire (1890), Fêtes galantes (1892 y 1904), Prosas líricas (1893) y Tres canciones de Bilitis
(1898). De tal forma se forjó el nuevo lenguaje musical y dramático que
le permitió aportar una solución personal al problema de la ópera con Pelléas et Mélisande,
sobre texto de M. Maeterlinck y representada en la Opéra-Comique el 30
de abril de 1902 (su composición había durado diez años); el éxito fue
muy discutido y sólo con gran lentitud la ópera llegó a conquistar el
puesto que le correspondía en la historia de la música, como etapa
básica en el desarrollo del teatro musical.
En una
segunda etapa, alcanza el primer plano de la producción de Debussy la
música instrumental. De las posiciones de elegancia un tanto formalista
propias de los dos Arabesque (1888) y de la Suite bergamasque (1890), para piano, así como del Cuarteto (1893) y del Preludio a la "Siesta de un fauno",
de 1892, el compositor llegó, sobre todo en el ámbito pianístico, a la
creación de un impresionismo musical que llevó a las últimas
consecuencias la disolución de las formas clásicas realizada por el
romanticismo y, al mismo tiempo, abrió las puertas al futuro. Con ello
se produjo el tránsito del momentáneo clasicismo de Para el piano (1901) a la libertad impresionista de Estampas (1903), de L'isle joyeuse (1904) y de las dos colecciones de Imágenes (1905 y 1907).
A la engañosa facilidad de El rincón de los niños (1908), obra abierta a sugerencias y temas de la vida actual, a pesar de su tema infantil, siguió, con los dos tomos de los Preludios
(1910 y 1913), el equilibrio definitivo de la composición moderna para
piano. La devolución a la música del sentido de la precisión fónica, o
sea la conversión de la pieza instrumental en un consistente objeto
sonoro donde se cobijan los eventuales valores expresivos sin menoscabo
de su solidez, permite considerar realmente a Debussy como el iniciador
de las tendencias musicales de la actualidad: en la estela de Estampas se desarrolla el florecimiento de las modernas obras de piano, con Ravel, Bartók, Schoenberg y Prokofiev.
Oye la confesión de mis secretos
A base de un corazón que esta desierto
Con tres palabras te diré todas mis cosas,
cosas del corazón que son preciosas.
Dame tus manos, ven toma las mías
Que te voy a confiar las ansias mías
son tres palabras solamente, mis angustias
y esas palabras son "Como Me Gustas".
Son tres palabras solamente, mis angustias
y esas palabras son "Como Me Gustas".
Aparte de la gracia de la obra y del motivo del concierto y de que
supongo que mi amigo Fernando andará sentado entre el coro (aunque no
pueda verse), me ha hecho mucha ilusión volver
a ver al Maestro Miguel Roa actuar. Para mí uno de los mejores
directores con los que he trabajado jamás. Y esto lo digo con absoluto
conocimiento de causa, porque os aseguro que tengo ya muchas tablas y he
trabajado con muchísimos directores como para poder comparar.
Quisiera añadir que este es otro vídeo enviado por uno de los seguidores de este blog. En el mensaje me decía textualmente que éste "tiene un aire un poco melancólico, introspectivo, .... con emotividad a flor de piel y buena música cargada de sentido".
Esas palabras me hicieron pensar que realmente es así, aunque yo nunca me había dado cuenta. Parece ser que vuelco aquí esa faceta mía melancólica y romántica, sin mostrar en absoluto mi otra parte divertida e irónica.
Es por ello, que en honor a este querido lector y seguidor, publico este vídeo. Espero que os guste.
