sábado, 18 de enero de 2014

Hoy puedo estar contigo




Hoy puedo estar contigo. He deseado
para ti todo el bien y me acompaña
la bondad del amor. A ti te debo
gozar en soledad la compañía
más difícil del hombre, la que tiene
consigo mismo. No me causa miedo
reconocerme, ni busco a nadie, no.
Le has dado a mi semblante sin saberlo
una luz interior que me hace fuerte,
para vencer mayores soledades.
 

Manuel Altolaguirre

martes, 14 de enero de 2014

Curso de Técnica Vocal Aplicada al Coro


Luisa D. Camacho

Directora de Coro y Soprano


El método que emplearemos en este curso consiste en la toma de consciencia del propio cuerpo para el desarrollo vocal y la expresión musical, el cual ha sido elaborado como resultado de mis estudios realizados en el Conservatorio Superior de Música de Málaga y en Milán (Italia), de haber asistido a cursos de perfeccionamiento con reputados profesionales en la materia; pero, sobre todo, de mis treinta años de experiencia como soprano y directora de coro.

El método de técnica vocal aplicada al coro proporciona al cantor un conocimiento profundo de su anatomía y fisiología del aparato fonador. Consiste en un nuevo entendimiento del sonido y de la función principal de la vibración acústica en relación con los espacios de su cuerpo, ya que esta metodología de aprendizaje se centra en la activación sensorial del cuerpo como instrumento, para alcanzar un estado de relajación y vitalidad, libre de toda presión; requisito indispensable para una óptima emisión de la voz.

La voz es una de las más complejas manifestaciones humanas: es un fenómeno acústico, energético, psíquico, cultural, estético… que puede ser analizado desde múltiples puntos de vista. En las técnicas de desarrollo vocal que propondremos, llevaremos la atención hacia dicha complejidad; con especial hincapié sobre el trabajo corporal, mostrándole al cantor su propio sonido, la importancia que éste tiene para sí y para el resto del grupo, a través de la vibración.

De esta visión nace la posibilidad de un acercamiento a la práctica musical y la expresión artística, muy diferente de lo que conocemos hasta ahora; ya que este trabajo es un exclusivo adiestramiento para tratar de alcanzar las fuentes de la expresividad más auténtica. Por lo tanto debemos preguntarnos ¿Qué ocurre mientras canto? ¿Cómo se emite el sonido? ¿Cómo entra en resonancia con las partes de mi cuerpo? No se trata por lo tanto de aprender a hacer, sino de aprender a percibir; de desarrollar sensibilidad acústica, de percatarse de la vibración sonora y en particular, de prestar atención a aquellas frecuencias del sonido capaces de conferir brillantez e intensidad a la voz.

La metodología será eminentemente práctica y participativa, como corresponde a un curso orientado a la interpretación musical. Los contenidos se trabajarán desde un primer momento a partir de la audición y de la interpretación y las conclusiones alcanzadas serán el fruto de las experiencias adquiridas mediante la interpretación musical y el debate con los compañeros de actividad.

Como práctica, propondremos un repertorio que permita asegurar y llevar a cabo todos los ejercicios que se realicen durante el taller. Del mismo modo, servirá como recreo de los cantores para que disfruten de los resultados obtenidos tras los ejercicios.

El curso está pensado para un máximo de 20 participantes y tendrá lugar en iAlecu, Agencia Internacional de Lengua y Cultura de Málaga, C/ San Juan, 42 1º C, los próximos días, viernes 28 de febrero y 1 de marzo, con horario de mañana de 10:00 h a 13:00 h, de tarde de 16:00 h a 19:00 h y domingo 2 de marzo de 10:00 h a 11:30 h, para finalizar con un concierto a las 12:30 h.



Para inscripción y más información contactar en los teléfonos: 
952 22 01 31 / 658 748 978 
info@ialecu.com 
O visita el  blog

martes, 31 de diciembre de 2013

Hay un cansancio de la inteligencia abstracta

© Foto Luisa D. Camacho


Hay un cansancio de la inteligencia abstracta, y es el más horrible de los cansancios. No pesa como el cansancio del cuerpo, ni inquieta como el cansancio del conocimiento por la emoción. Es un peso de la conciencia del mundo, un no poder respirar con el alma. 

martes, 24 de diciembre de 2013

There is faint music in the night

Feliz Nochebuena, que vuestros hogares se llenen del verdadero espíritu de la Navidad.




The University of Utah Singers perform There is Faint Music by Dan Forrest live in concert, December 11th; 12th, 2009 in Libby Gardner concert hall under the direction of Dr. Brady Allred.
Piano: Laurel Enke


There is faint music in the night
and pale wings fanned by silver flight.
A frosty hill with tender glow
of countless stars that shine on snow.

A shelter from the winter storm,
a straw-lined manger safe and warm,
and Mary singing lullabies
to hush her baby's sleepy sighs.

Her eyes are fixed upon his face,
unheeded here is time and space.
Her heart is filled with blinding joy
for God's own son, her baby boy.

Nancy Buckley

jueves, 19 de diciembre de 2013

Llueve

 Gota de lluvia, André Kohn

Llueve. Los caminos extraviados
con el agua confluyen, de piedras se vacían.

El aire transparenta
besando la nueva luz surgida,
sin apenas vestigios de dolores antiguos,
de autoengaños continuos, de renuncias
forjadas ante débiles obstáculos
que el ansia adormecieron de la vida.

En el leve rumor
de dos manos transidas,
su secreto desvela
la memoria perdida.

Julián Carcaño, de "Ondulaciones"

sábado, 30 de noviembre de 2013

Te cojo las manos, y mi corazón, buscándote a ti...


Te cojo las manos, y mi corazón, buscándote a ti,
que siempre me eludes tras palabras y silencios,
se hunde en la oscuridad de tus ojos.
Sin embargo, sé que debo estar contento en este amor,
con lo que viene a rachas y huye, porque nos hemos encontrado
por un momento en la encrucijada de los caminos.
¿Soy yo tan poderoso que pueda llevarte a través de este
enjambre de mundos, por este laberinto de veredas?
¿Tengo yo alimento para sostenerte por el oscuro pasaje bostezante,
de arcos de muerte?

Rabindranath Tagore

martes, 26 de noviembre de 2013

Que reste-t-il de nos amours?





Stacey Kent

Que reste-t-il de nos amours?
Que reste-t-il de ces beaux jours?
Une photo, vieille photo
De ma jeunesse
Que reste-t-il des billets doux?
Des mois d' avril, des rendez-vous
Un souvenir qui me poursuit
Sans cesse

Bonheur fané, cheveux au vent
Baisers volés, ráves mouvants
Que reste-t-il de tout cela
Dites-le-moi

Un petit village, un vieux clocher
Un paysage si bien caché
Et dans un nuage le cher visage
De mon passé

Un petit village, un vieux clocher
Un paysage si bien caché
Et dans un nuage le cher visage
De mon passé.

Qué queda de nuestro amor?
Qué queda de estos hermosos días?
Una foto, una vieja foto
de mi juventud.
Qué queda de las cartas de amor?
del mes de abril, de las citas.
Un recuerdo que me persigue
constantemente.

La felicidad se desvaneció, cabellos al viento.
Besos robados, sueños fugaces
Qué queda de todo ésto
Dime.

Un pueblo, una antigua torre,
un paisaje escondido.
Y en una nube, el querido rostro

de mi  pasado.

domingo, 10 de noviembre de 2013

Una historia de amor en su voz y en sus manos

KISMET RESTAURANT

Laura trabaja en Kismet Diner y sueña con convertirse en cantante, pero por el momento no le molesta servir mesas. Por supuesto que ayuda que todos en el restaurante la quieran; su jefe hasta compró un karaoke para que Laura pudiera cantar a sus clientes.

Una noche de sábado, en medio de un improvisado concierto, Laura descubre un cliente que nunca antes había visto y que luce totalmente desinteresado. Normalmente, esto no le importaría... pero él actúa como si ella no estuviera ahí. ¿Quién es él? ¿Por qué Laura no puede dejar de mirarlo?


martes, 5 de noviembre de 2013

Donde habite el olvido


Kreuz an der Ostsee


Donde habite el olvido,
En los vastos jardines sin aurora;
Donde yo sólo sea
Memoria de una piedra sepultada entre ortigas
Sobre la cual el viento escapa a sus insomnios.

Donde mi nombre deje
Al cuerpo que designa en brazos de los siglos,
Donde el deseo no exista.

En esa gran región donde el amor, ángel terrible,
No esconda como acero
En mi pecho su ala,
Sonriendo lleno de gracia aérea mientras crece el tormento.

Allí donde termine este afán que exige un dueño a imagen suya,
Sometiendo a otra vida su vida,
Sin más horizonte que otros ojos frente a frente.

Donde penas y dichas no sean más que nombres,
Cielo y tierra nativos en torno de un recuerdo;
Donde al fin quede libre sin saberlo yo mismo,
Disuelto en niebla, ausencia,
Ausencia leve como carne de niño.

Allá, allá lejos;
Donde habite el olvido.

 Luís Cernuda

viernes, 1 de noviembre de 2013

Mester d'amor



Poema de Joan Salvat-Papasseit interpretado por Arianna Savall


Si en saps el pler no estalviïs el bes
que el goig d'amar no comporta mesura.
Deixa't besar, i tu besa després
que és sempre als llavis que l'amor perdura.
No besis, no, com l'esclau i el creient,
mes com vianant a la font regalada.
Deixa't besar -sacrifici fervent-
com més roent més fidel la besada.
¿Què hauries fet si mories abans
sense altre fruit que l'oreig en ta galta?
Deixa't besar, i en el pit, a les mans,
amant o amada -la copa ben alta.
Quan besis, beu, curi el veire el temor:
besa en el coll, la més bella contrada.
Deixa't besar
i si et quedava enyor
besa de nou, que la vida és comptada.

...............................................................................................................

Traducción al castellano:

Si conoces el placer no ahorres el beso
que el gozo de amar no comporta medida.
Déjate besar, y besa tú después
que es en los labios que el amor perdura.

No beses, no, como el esclavo y el creyente,
mas como caminante en la fuente regalada.
Déjate besar-sacrificio ferviente-
cuanto más ardiente más fiel el beso.

¿Qué habrías hecho si morías antes
sin otro fruto que el oreo en tu mejilla?
Déjate besar, y en el pecho, en las manos,
amante o amada -la copa bien alta.

Cuando beses, bebe, cure el Veire el temor:
besa en el cuello, la más bella región.
Déjate besar

                  y si te quedara nostalgia

besa de nuevo, que la vida es limitada.

Para mi amigo Iñaki con mi agradecimiento, para que se recupere muy pronto.

viernes, 18 de octubre de 2013

Quattro Pezzi Sacri

Después de mi última entrada dedicada al bicentenario del nacimiento de Giuseppe Verdi, me quedó el anhelo de publicar algo dedicado a los Cuattro Pezzi Sacri. Así, que lo hago a continuación.

Quattro Pezzi Sacri, o Cuatro piezas sacras, son trabajos vocales tardíos de G. Verdi. Compuestas por separado y con diferentes orígenes y propósitos, fueron publicadas juntas en 1898, y a menudo se ejecutan como un ciclo en esta secuencia:

  •  Ave Maria (Coro a capella, en Latín, compuesto en 1889)
  •  Stabat Mater (orquesta y coro, en Latín, compuesto entre 1896-1897)
  •  Te Deum (orquesta y coro doble, en Latín, compuesto entre 1895-1896)

Esta serie nos revela el punto de vista sobre la música sacra de uno de los más famosos compositores de ópera italianos. El estilo de estos trabajos refleja la extraordinaria expansión tonal que tuvo lugar a finales del S. XIX; pero al mismo tiempo, Quattro Pezzi Sacri, nos ofrece una retrospectiva de la herencia cultural del compositor; pues, como veremos más adelante, encontraremos en ellos referencias a Dante y a Palestrina.

Ave Maria sulla scala enigmatica: Verdi presentó esta curiosa obra de 1889 (revisada en 1898) como respuesta a un reto publicado en la Gazzetta Musicale de Milán de emplear dicha escala en una composición. En este trabajo, Verdi hace pasar la Escala Enigmática sobre todas las voces en figuración de redondas de forma tanto ascendente como descendente. (Es posible ver en la partitura si se clica en la relación arriba).
Creo necesario aclarar que la Escala Enigmática es atonal y consta de siete notas. Su particularidad es la de que cualquiera de las notas que la componen puede servir como punto de partida. Como se puede observar, esta escala evita la cuarta y la quinta perfectas, las cuales suelen ser las que establecen las bases de una clásica progresión armónica, pues ambas ayudan a fijar la tónica.



Sin duda, esta no es una obra fácil de ejecutar y sus efectos resultan bastante curiosos. He aquí una magnífica interpretación del Sofia Vocal Ensemble.




Stabat Mater destaca como un absoluto drama de pasión a través de los ojos de la Virgen en una serie de imágenes puntillísticas precisadas por el antiguo texto en latin, en el que Verdi despliega su talento con un amplia gama de fuerza tanto coral como orquestal. Hay quien lo describe como una mezcla de pureza y simplicidad tomadas del trabajo de Palestrina en el siglo XVI y de drama provieniente de su obra Il Trovatore.




Laudi alla Vergine Maria, en realidad está escrita para un cuarteto de voces blancas, pero generalmente es interpretada por un coro.
Verdi se inspiró en un texto del Paraíso de Dante para la realización de esta composición. En ella, evoca deliberadamente la música de la Italia Renacentista en una fina textura vocal, con claras cadencias y escritura imitativa; mientras que la voz principal, por otra parte, es profusamente cromática y se aleja con frecuencia de la tonalidad. En realidad se inspira en la escritura tradicional de las composiciones sacras a capella del Stile Antico.




Te Deum, junto Stabat Mater, fue uno de los últimos trabajos de Verdi. Para su composición, estudió la música de Victoria y de Purcell, con la intención de crear algo realmente diferente. Su intención se antoja como la de un aventurero musical que narra sus propias emociones ante el texto: El Padre Inmenso es también el Rey Glorioso, nacido de una Virgen y hecho hombre, que retorna como Juez haciendo temblar el mundo antes de su juicio.





Verdi pidió que esta personal y expresiva obra fuera enterrada con él.

jueves, 10 de octubre de 2013

Viva Verdi

Hoy se celebra el bicentenario del nacimiento de Giuseppe Verdi, el más notable e influyente compositor de ópera italiana y puente entre el Bel canto de Rossini, Donizetti y Bellini y la corriente del Verismo y Puccini. Fue autor de algunos de los títulos más populares del repertorio lírico, como los que componen su trilogía popular o romántica: Rigoletto, La Traviata e Il Trovatore y las obras maestras de la madurez como Aida, Don Carlo, Otello y Falstaff.


En 1886 Giovanni Boldini (Italia, 1842-1931) retrata por primera vez a Giuseppe Verdi en lienzo, pero no satisfecho con el resultado lo vuelve a retratar tiempo después al pastel sobre papel en sólo cinco horas. Es quizás su obra más célebre e imagen ya inseparable de la figura histórica del compositor italiano.

Giuseppe Fortunino Francesco Verdi, como hemos dicho anteriormente,  nació el 10 de octubre de 1813 en Le Roncole, una localidad que por entonces era entonces parte del Ducado de Parma que, a su vez, formaba parte de Francia. Comenzó a estudiar música en Busseto, bajo la tutela de Ferdinando Provesi, convirtiéndose pronto en el organista de la iglesia de su pueblo. 
Aunque nació en el seno de una familia modesta, tuvo la fortuna de contar desde muy temprana edad con la protección de Antonio Barezzi, lo que le permitió establecerse en Milán, con la intención de entrar en el conservatorio de la ciudad, pero curiosamente, no superó las pruebas de acceso.
Tras estudiar con Vincenzo Lavigna, quien le dio a conocer la música italiana del pasado y la alemana de la época, fue nombrado maestro de música de Busseto en 1836, el mismo año en que contrajo matrimonio con la hija de su protector, Margherita Barezzi. El éxito que en 1839 obtuvo en Milán su primera ópera, Oberto, conte di San Bonifacio, le procuró un contrato con el prestigioso Teatro de la Scala. Sin embargo, el fracaso de su siguiente trabajo, Un giorno di regno, y, sobre todo, la muerte de su esposa y sus dos hijos, lo sumieron en una profunda depresión en la que llegó a plantearse el abandono de la carrera musical. 
No lo hizo: la lectura del libreto de Nabucco le devolvió el entusiasmo por la composición. La partitura, estrenada en la Scala en 1842, recibió una acogida triunfal, no sólo por los innegables valores de la música, sino también por sus connotaciones políticas, ya que en una Italia oprimida y dividida, el público se sintió identificado con el conflicto recreado en el drama.
Con este éxito, Verdi no sólo consiguió su consagración como compositor, sino que también se convirtió en un símbolo de la lucha patriótica por la unificación política del país. I lombardi alla prima Crociata y Ernani participaron de las mismas características. Son éstos los que el compositor calificó como sus años de galeras, en los cuales, por sus compromisos con los empresarios teatrales, se vio obligado a escribir sin pausa una ópera tras otra.
Esta situación empezó a cambiar a partir del estreno, en 1851, de Rigoletto y, dos años más tarde, de Il Trovatore y La Traviata, sus primeras obras maestras. A partir de este momento compuso sólo aquello que deseaba componer. Su producción decreció en cuanto a número de obras, pero aumentó proporcionalmente en calidad. Y mientras sus primeras composiciones participaban de lleno de la ópera romántica italiana según el modelo llevado a su máxima expresión por Donizetti, las escritas en este período se caracterizaron por la búsqueda de la verosimilitud dramática por encima de las convenciones musicales.



Aida (1871) es ilustrativa de esta tendencia, pues en ella desaparecen las cabalette, las arias se hacen más breves y cada vez más integradas en un flujo musical continuo –que no hay que confundir con el tejido sinfónico propio del drama musical wagneriano–, y la instrumentación se hace más cuidada. Prácticamente retirado a partir de este título, aún llegó a componer un par de óperas más, ambas con libretos de Arrigo Boito sobre textos de Shakespeare: Otello y Falstaff, esta última una encantadora ópera cómica compuesta cuando el músico frisaba ya los ochenta años.



En sus últimos años, Verdi trabajó en algunas obras no operísticas. A pesar de no ser particularmente religioso, compuso obras litúrgicas, como la misa de Réquiem (1874) y el Te Deum. También compuso el Himno de las naciones, que incluye las melodías de los himnos italiano, francés, inglés y norteamericano, sobre texto del poeta Arrigo Boito (1862) y un cuarteto para cuerdas en mi menor (1873).
Falleció en Milán, el 27 de enero de 1901, debido a un derrame cerebral. Dejó su fortuna para el establecimiento de una casa de reposo para músicos jubilados que llevaría su nombre: «Casa Verdi», en Milán, donde está enterrado. Su entierro causó una gran conmoción popular y al paso del cortejo fúnebre el público entonó espontáneamente el coro de los esclavos de Nabucco: Va pensiero sull'ali dorate.
 



Óperas compuestas por Verdi; detallándose lugar, fecha del estreno y autor del libreto:
Tres de las óperas que compuso Giuseppe Verdi están basadas en obras de Shakespeare, en concreto Macbeth, Otello y Falstaff.

Entre las obras no operísticas de Giuseppe Verdi destacan:
  • Misa de réquiem (1874)
  • Messa per Rossini (1869) (estrenada en Stuttgart en 1988) (compuesta con otros compositores)
  • Inno delle Nazioni (Himno de las naciones) (1862)
  • Quattro Pezzi Sacri (primera audición el 7 de abril de 1898), una de sus obras tardías;
  • Cuarteto de Cuerdas en mi menor (1873)
  • Te Deum para coro y orquesta
  • Suoni la tromba (1848) himno patriótico con letra de Giuseppe Mameli.
  • Ave María (1880) para soprano y cuerdas
  1. Non t'accostar all'urna (Jacopo Vittorelli)
  2. More, Elisa, lo stanco poeta (Tommaso Bianchi)
  3. In solitaria stanza (Jacopo Vittorelli)
  4. Nell'orror di note oscura (Carlo Angiolini)
  5. Perduta ho la pace
  6. Deh, pietoso, o addolorata (Luigi Balestra)
  1. Il tramonto (Andrea Maffei)
  2. La zingara (S. Manfredo Maggioni)
  3. Ad una stella (Maffei)
  4. Lo Spazzacamino (Felice Romani)
  5. Il Mistero (Felice Romani)
  6. Brindisi (Maffei)
Fuentes: Biografías y Vidas
Wikipedia

martes, 8 de octubre de 2013

Sólo para iniciados...

Hoy he leído esto y me ha hecho tanta gracia, que he decidio copiarlo aquí:



Hace mucho, mucho tiempo...
Las notas musicales vivían felices y contentas. Sonaban por todas partes, completamente libres, siempre por el campo. Casi como las hadas, correteaban y volaban y a veces era imposible distinguir las unas de las otras.
PERO UN FATÍDICO DÍA alguien decidió encerrarlas en unas celdas de negros barrotes, con una reina que las vigilaba a la entrada de cada una de sus especiales cárceles y pasaron una temporada un poquito tristes (dramita pequeñito). Aun así, con el paso del tiempo olvidaron aquel campo abierto en donde eran libres, se dieron cuenta de que sus guardianas no eran tan malvadas y aprendieron a ser felices en su celda. ¡E incluso llegaron a hacer cosas que jamás habrían hecho fuera!
PERO. ENTONCES. LLEGÓ.
EL TIRANO.
EL MALVADO.
Schenker lo llamaron.
Cogió a unas pocas notas y decidió nombrarlas sumas soberanas. No contento con su jerarquización de guays, creadoras, las mandamases, las chulas de la partitura, HIZO DESAPARECER AL RESTO. Y este fue el fin de las notas felices. :(((((

PERO AÚN HAY REMEDIO.
DI NO AL ANÁLISIS SCHENKERIANO.
DI NO A LA JERARQUIZACIÓN DE NOTITAS.
POR UNAS NOTAS LIBRES Y FELICES.

Y hasta aquí la paranoia de hoy.

Esteban S. Martínez